CIUDADANO KANE
Hay muchos aspectos que hacen de esta película lo que es hoy en día, un paradigma para muchas de las cosas que se hacen actualmente en el cine; después de la aparición de Citizen Kane las cosas no cambiaron mucho en el cine, todo lo que actualmente se hace esta de alguna manera basado en esta película, por ejemplo, la historia es de lo más verosímil, tanto, que está basada en la vida de William Randolph Hearst, magnate de prensa en ese tiempo.
Lo que sorprende realmente es que hay dos películas en una, o al menos eso parecía en esa época, la primera es la película cuyo argumento son las hazañas de un periodista que investiga sobre la vida del fallecido Charles Foster Kane, la segunda es la vida del propio Kane. Para hacerla una, se enlazaron, a través de numerosos retrocesos en el tiempo de la acción dramática, que es lo que hoy en día vemos en tantas películas y denominamos flash-back. Se puede decir que Welles es el creador del flash-back cinematográfico.
Pero no sólo por eso es una gran película, la dirección de este filme es una gran herencia, los planos son de una composición admirable, tiene profundidades de campo inusuales, por primera vez los decorados necesitaron techo puesto que los ángulos de los objetivos los filmaron.
Es notable el hecho de que sea una enseñanza de realización cuando se saltó todo aquello que estaba determinado académicamente hablando en la época
Citizen Kane resulta ser una película excepcional pues reúne varios elementos:
a) Se trata de un filme cuyo estilo se sitúa entre el cine clásico y el cine moderno.
b) Posee una complejidad notable en la construcción del relato.
c) Emplea recursos estéticos de tipo visual y sonoros muy ricos y complejos.
d) Se trata de una de las historias más estudiadas y comentadas de toda la historia del cine.
Además este film merece una nueva consideración por otro motivo: así como dentro del lenguaje cinematográfico Welles logró introducir elementos teatrales también es subrayable su utilización del sonido, ya que mediante el empleo de mezclas de tipo collage, siguió desarrollando la técnica del cine sonoro hasta convertirla en un sound, alcanzando con ello una nueva intensidad en la combinación de palabra e imagen.
La verdadera importancia de Citizen Kane reside en que Welles rompió totalmente con todos los convencionalismos cinematográficos de su época creando una película que por sus características tanto técnicas como artísticas hacen de ella una obra magistral. A este respecto, Nick James, editor de la revista Sigth and Sound opina: “Llevando todos los recursos de un estudio Hollywoodense a sus límites, la película es un experimento formal deslumbrador y un retrato apremiante de la vida de un gran hombre". Por esto y más Citizen Kane ha permanecido en el lugar predilecto de la critica cinematográfica por mucho tiempo, más allá de si fue un éxito taquillero o no, ya que no hay que olvidar que para un espectador de los años cuarenta, la televisión era todavía como un sueño muy lejano y una obra de las características de Ciudadano Kane debió suponer toda una revolución visual y temática de difícil aceptación para el público.
Anécdotas y curiosidades de ciudadano Kane:
La audiencia que presencia el discurso de Kane nunca existió. Se trata de una fotografía, a la que le hicieron agujeros con un alfiler y que iluminaron con luces en movimiento por detrás para dar la ilusión de movimiento.
El maquillaje para el anciano Kane obligaba a Welles a sentarse en la silla de maquillaje a las dos y media de la mañana, para poder estar listo para rodar a las nueve de la mañana.
Los negativos originales de la película se han perdido. Fueron destruidos durante un incendio en los años 70.
La escena fuera de la casa de la madre de Kane fue la peor pesadilla de Orson Welles. El director siempre se castigaba pensando que no había logrado mostrar el aliento frío de los personajes (que se suponía estaban rodeados de nieve
BEN - HUR
Ben-Hur contó con el mayor presupuesto que hasta entonces había tenido una película, superior a los quince millones de dólares estadounidenses, y para su filmación se construyeron los decorados más grandes jamás empleados en un filme. La diseñadora Elizabeth Haffenden supervisó a un equipo de cien costureras para crear el vestuario y en la construcción de los decorados intervinieron doscientos artistas y obreros, necesarios para crear cientos de frisos y estatuas. La filmación comenzó el 18 de mayo de 1958 y duró hasta el 7 de enero de 1959, con jornadas de rodaje de entre doce y catorce horas que se desarrollaron seis días a la semana. La preproducción comenzó en los estudios Cinecittà de Roma en octubre de 1957 y la posproducción se extendió seis meses. Los directivos de MGM encargaron al director de fotografía Robert L. Surtees que filmara la película en formato panorámico, que no era del gusto de Wyler. En el rodaje se emplearon más de doscientos camellos, 2500 caballos y unos 10 000 figurantes. La batalla naval se filmó con miniaturas en un gran tanque de agua en los estudios de la Metro en Culver City (California). La carrera de carros, de nueve minutos de duración, es una de las secuencias más famosas de la historia del cine, mientras que la banda sonora, compuesta y dirigida por Miklós Rózsa, es la de mayor duración que se ha creado para un filme e influyó profundamente en el cine durante más de quince años.
La película, de 1959, es una de las más galardonas y oscarizadas de la historia del cine al obtener once premios de la Academia de Hollywood, sólo igualada o superada por Titanic y El señor de los anillos. El retorno del rey, y a pesar de ello los expertos siguen considerándola de inferior calidad que la versión de 1926, lo que también debe sucederles a los americanos en general, ya que en 1997 fue seleccionada por la Biblioteca del Congreso de los EE. UU, al considerarla cultural e históricamente significativa y por ello declarada bien público.
Datos curiosos sobre Ben Hur
La película fue la más cara de la historia en su momento, con 15 millones de dólares de presupuesto, pero acabó recaudando más de 70 millones sólo en Estados Unidos, aunque en proporción fue más barata que la versión muda que costó 6.6 millones de dólares en 1925.
Sam Zimbalist (productor) murió durante el rodaje debido a la alta tensión, según dicen, que se vivía en el mismo.
La carrera de cuádrigas, que dura 20 minutos en la película, se rodó en 3 meses.
CASABLANCA
Todos saben algo de Casablanca, la hayan visto o no. ¿Quién no conoce su final subversivo, opuesto a lo que mandan las convenciones de las películas de amor? ¿Alguien ignora la melodía de El tiempo pasará, entonada por Sam a pedido de Ilse (Ingrid Bergman) –que, dicho sea de paso, nunca dice "Tócala de nuevo" –? ¿Existe una persona que no sepa que durante el rodaje no se conocía el final de la historia porque el guión se hacía sobre la marcha, democráticamente, con todos los escritores de la Warner aportando sus propios diálogos?
Casablanca es una de esas películas que uno puede ver dos, tres, cinco o diez veces, y aún sigue asombrando. Michael Curtiz era un genio que podía compartir el trono que sus compatriotas (Ford, Hawks, Capra) supieron conseguir. Su puesta en escena es sutil, inteligente y precisa. ¿Cómo no sentir un inmenso placer cuando el avión que parte hacia la libertad sobrevuela el café de Rick, en los primeros minutos de la película? Curtiz nos está diciendo todo. Rick (Humphrey Bogart) es la libertad. La de todos menos la suya propia, porque como le dice su adversario en el amor de Ilse, Víctor Laszlo, "cada uno debe aceptar su destino, sea bueno o malo".
Por donde se la mire, Casablanca es admirable. El cooperativo guión, la iluminación, el montaje, la música y hasta el vestuario están puestos (por azar o intencionadamente) a disposición de esta historia de amor, honor y lealtad. A Curtiz le alcanza con la cámara para decirnos casi todo sobre Rick. Registra su poder en esa mano que firma autorizaciones antes de mostrarnos la cara del héroe. Nos enfrenta a su soledad: el cigarrillo, ese partido de ajedrez sin contrincante, su vaso de bebida. Y luego, levanta la cámara y Rick, ese maravilloso Humphrey Bogart, aparece ante nosotros para convertirse, a la par de Curtiz, en Casablanca. Bogart demuestra con gestos inolvidables, miradas expresivas y esa entonación tan particular por qué aún hoy es Humphrey Bogart, el único, el más varonil, el mejor.
A pesar de que la historia es conocida, vale la pena revivir ese reencuentro en Casablanca. Una ciudad (del Africa) donde los refugiados europeos de la Segunda Guerra que huyen de los alemanes necesitan llegar para conseguir una visa que los lleve a Lisboa y de allí al soñado paraíso de la libertad: Estados Unidos. Allí reside Rick. Un norteamericano cínico, solitario, duro, que en el fondo, como le dice el prefecto Louis, "es un sentimental". Rick tiene un pasado dudoso y ha decidido terminar sus días en Casablanca, en su bar (Rick’s) y junto a Sam, su amigo pianista negro. Ya no espera nada.
Pero una noche dos hechos cambiarán su vida: Ugarte, un hombre que vende permisos para salir de Casablanca, le pide que custodie los que robó a unos correos alemanes, a los que también asesinó. Esos papeles son el pasaporte abierto para cualquier persona del mundo. Y cuestan millones. Ugarte es detenido en el propio bar de Rick por la policía que busca esos permisos robados. Ugarte pide ayuda a Rick: "No arriesgo mi cuello por nadie", le responde. Y Ugarte muere mientras intenta huir. Minutos después de este hecho, Rick se sorprenderá nuevamente. Ella está en una mesa, al lado del piano de Sam, disfrutando en silencio de aquella canción que fue testigo del amor de ambos: "As Time Goes By".
El momento en que Ilse y Rick se reencuentran es uno de los momentos más conmovedores del cine. Los ojos llenos de lágrimas de la bellísima Ingrid Bergman miran con tristeza y dolor a los de Bogart, incrédulos, alegres, resentidos. Quizá no era necesario ese flashback posterior donde conocemos el comienzo de esta historia de amor, en la París que acababa de ser tomada por los alemanes.
Las miradas y las pocas líneas de diálogo de este presente en Casablanca resultan más que suficientes. "De todos los cafés que hay en el mundo, ella tuvo que venir al mío", dice borracho Rick, cuando sólo él y Sam permanecen en el bar cerrado, a oscuras, esa misma noche del reencuentro.
Todo sucede en un par de días. Ilse no está sola en la ciudad. Acompaña a su marido checo, un importante líder de la Resistencia llamado Víctor Laszlo (Paul Henreid), quien necesita salir de Casablanca y llegar a Estados Unidos. De su partida dependen la vida y la libertad de miles de personas. Pero Laszlo está acorralado y Rick es el único que tiene los permisos que pueden salvarlo. Lo que le impide ser generoso es que está enamorado de la mujer de Laszlo.
En esta lucha por la libertad y el amor, Ilse le pedirá a Rick, a quien aún ama apasionadamente, que decida por todos. Y Rick lo hace en ese gesto magnánime y heroico que se resume en sus palabras: "No soy muy noble, pero veo que nuestro problema es muy pequeño en este mundo". Ella lo comprende y parte con su marido. Rick arriesgó su cuello por la mujer que ama y por el hombre que admira, a los que ve partir en ese avión rumbo a Lisboa. El, como apresado en su triste destino, se queda en Casablanca. Y se va caminando con Louis, el prefecto de policía, quien le aconseja que huya por un tiempo. Rick cometió varios "delitos" para que Ilse y Laszlo escaparan de Casablanca (amenazó a Louis con una pistola para hacerlo cómplice de la partida, asesinó a un mayor alemán en el aeropuerto, se convirtió en compañero de ruta de Laszlo al contribuir a su lucha). Louis, ese militar corrupto, decide proteger a Rick, quien le dice finalmente la frase más amorosa de toda la película, mientras atraviesan la niebla de Casablanca: "este es el comienzo de una gran amistad".
Casablanca también es una película política. El contexto de la Segunda Guerra y el hecho de que la vereda de enfrente haya estado ocupada por los nazis (y no sólo en la pantalla, sino en la vida real) salva el esquema político que plantea Curtiz. Los alemanes eran los enemigos. Los italianos, chupamedias de los nazis. Los franceses, mayormente confiables. Los americanos, héroes. Estas ideas pueden verse en cada personaje en particular. En la forma en que cada uno es presentado, por lo poco o mucho que dicen y claro, por lo que hacen. Y esa cita a La gran ilusión es una proclama política tan emotiva como la del film citado (Jean Renoir, 1937): entonar la Marsellesa con orgullo para protestar por la soberbia nazi. En el '37, Renoir y Jean Gabin la habían esgrimido contra los germanos de la Primera Guerra. En 1942, Curtiz y Paul Henreid recuerdan ese momento mágico del cine. Y lo hacen de nuevo. Porque los años habían pasado, pero los enemigos no habían aprendido la lección.
CURIOSIDADES
La película está basada en una obra de teatro no estrenada titulada Everybody comes to Rick's ( Todo el Mundo Viene a Rick's), escrita por Murray Burnett y Joan Allison. La Warner pagó por los derechos de la obra 20000 Dólares.
Iba a estar ambientada en Lisboa, no en Marruecos.
La famosa frase de "Tócala otra vez, Sam" nunca es pronunciada en la película, ni en la original ni en la doblada. Esa frase se hizo famosa por una película de Woody Allen Sueños de un seductor de 1972.
La película se rodó íntegramente en Hollywood. Después del éxito del film, Marruecos se llenó de turistas que querían tomarse algo en el bar de Rick, que no existía. Así que el municipio construyó dos bares frente a la plaza: el bar de Rick, y el "Blue Parrot", para que los turistas se fueran satisfechos.
El tema "As Time Goes By" que inmortalizara esta película no fue creado para el filme. Era una canción semi desconocida compuesta diez años antes de Casablanca.
En una escena I.Bergman le pregunta a Bogart si participó en las Brigadas Internacionales de la Guerra Civil Española. El contesta con la cabeza que si, pero el doblaje de la época dice no.
Cuando la gente salía de los cines de ver la película, pedían una continuación. Aunque la Warner Bros se lo pensó, el productor David O. Selznick dijo que no prestaría a Bergman para una secuela.
En 1997, el American Film Institute, tras consultar a mil quinientos expertos de la cinematografía estadounidense, colocó a Casablanca en sus listas como la segunda mejor película estadounidense de todos los tiempos detrás tan solo de Ciudadano Kane. Este estatus fue ratificado en la revisión que el Instituto hizo en 2007, cuando se colocó en tercer puesto.
EL PADRINO
La trama se desarrolla en la Nueva York de los años 40. Cuenta la historia de una de las cinco familias más poderosas de la mafia, que se enraizaron en EEUU, y de cómo aplicaban sus particulares métodos ultraviolentos a los opositores. Siempre regidos bajo los estrictos códigos familiares, basados en la lealtad y el respeto. Cada personaje es dueño de un mundo diferente y complejo. Todo enmarcado en la eterna lucha interior entre el bien y el mal.
EEUU, 15 de marzo de 1972, el día D, fecha en la cual vio la luz esta cinta de carácter casi mitológico y realización casi milagrosa. Puesel detrás cámaras de esta obra cumbre, esconde una historia tan fascinante como contradictoria: Mario Puzo, el autor de la novela que sirvió de inspiración para la película, no quedó a gustó con su producto terminado, solo la publicó por un mero interés monetario. La Paramount Pictures, productora del film, la clasificó como una película clase B: para la parrilla de televisión. Francis Ford Coppola, su director, no quería emprender esta arriesgada empresa, dado que él, siendo de origen italoamericano, temía que esta película fomentara los antivalores de los americanos de origen italiano. Además, consideraba que la novela mostraba una cara muy amable y atractiva del mundo de la mafia. Marlon Brando, su protagonista, inicialmente no fue visto con buenos ojos por el equipo de producción, dada su fama de divo y sus constantes excentricidades en el escenario. Los italoamericanos en EEUU, amenazaron con boicotear la producción, incluso se supo de amenazas de muerte. Sumado a todo esto, corrían rumores sobre presuntas consultorías técnicas a los jefes de la mafia, y del aura gansteril de algunos actores y extras de la película.
Quizás uno de los aspectos más atractivos de la cinta sea los sentimientos encontrados que allí convergen: Por un lado, la mano implacable, cruel y destructiva de Don Vito y su séquito para con sus enemigos; por el otro, la ternura y dulzura para con los suyos. Desde el análisis estrictamente psicológico la pregunta que surge es: ¿Cómo pueden convivir el bien y el mal en un mismo ser? Pues las imágenes y los hechos hablan por sí mismos.
Unos de los puntos altos de la película es observar la metamorfosis de Michael, el hijo menor de la familia. Es apasionante diseccionar el personaje desde que llega de la guerra como todo un héroe nacional, hasta llegar a convertirse en el pragmático capo de la Cosa Nostra en los años 50. Es notable ser testigo del cambio, diametralmente opuesto, que una mirada suave e inocente puede sufrir hasta llegar a ser gélida e impenetrable.
Qué decir de la disparidad en la psicología de los otros dos hijos de la familia Corleone: Sonny (Santino), epítome de la violencia y la irracionalidad. Nadie está por encima de él, solo su padre. Muere como vive (una tormenta de balas lo convirtió en colador humano), y vive para su familia. Del otro lado está Fredo, débil y torpe, esa misma condición lo llevará a traicionar a los suyos. Muere como vive (es conducido al patíbulo engañado como un niño), y vive para sí, para nadie más. Tal vez un aspecto a discutir de la película es la ausencia de personalidad y trascendencia de Connie, la única hija de la familia Corleone. Es una simple figura decorativa. Quizás simbolice el papel secundario que históricamente han asumido las mujeres en los negocios de las familias mafiosas de Italia, salvo la despiadada y bella Lucrecia, del clan de los Borgia en el siglo XVI.
El padrino es una película sobre la mafia, pero no de mafiosos. Resulta muy perturbador para nuestro nivel de moral, que el mundo allí retratado registre personalidades tan carismáticas y encantadoras, a sabiendas de las negras intenciones que sus mentes maquinan. ¿Cómo es posible comprender que una misma mano sea capaz de empuñar un arma para aniquilar la vida de un enemigo y luego, acariciar suavemente el rostro de un niño para consolarle? ¿Cómo es posible entender que un mismo corazón clame por sangre y luego se entregue al amor más puro? Esta dualidad hace de la película un escenario fascinante para entregarnos a su deleite.
La música, elemento clave en el éxito de un filme, aquí no es la excepción. Nino Rota, compositor milanés, se hace inmortal con su magnánima creación. La melodía que acompaña los momentos más memorables de la película le imprime un tono de solemnidad a cada movimiento, a cada plano, a cada mirada; evoca la nostalgia de aquellos tiempos, no importa que fueran tan violentos, porque la belleza de las notas disfraza la maldad de quienes allí habitan.
CURIOSIDADES
Para que los productores se planteasen contratar a Brando, Coppola tuvo que ceder a tres condiciones: primero, el actor trabajaría por el salario mínimo. Segundo, pagaría de su bolsillo en caso de un retraso en el rodaje. Y, tercero, tendría que hacer una prueba de cámara. Cuando Coppola fue a su casa para grabarle, Marlon se presentó ante él hecho un hipster, con el pelo largo y vestido de corto. Pero, antes de que el director tuviese tiempo para desmayarse, Brando sacó al actorazo que llevaba dentro: oscureció su pelo con betún y se llenó la boca de papel higiénico, mientras repetía: "Es un bulldog. Parece malo, pero en el fondo es cariñoso". En esa misma sesión, Brando improvisó la cascada voz del Padrino, y su forma de mover las manos. Cuando Coppola proyectó la cinta a Buldhorn, sin decirle de qué actor se trataba, el magnate exclamó: "¿Quién coño es este viejo? ¡Es fantástico!".
El libro de "El Padrino" se mantuvo en los primeros lugares de la lista de best-sellers durante 67 semanas consecutivas; y se vendieron más de 21 millones de ejemplares.
Los derechos del libro de Mario Puzo, fueron comprados por cuatrocientos diez mil dólares.
En la escena de la boda en que Johnny Fontaine está cantando, los planos cortos de la conversación entre Kay y Michael fueron rodados de noche ya que el tiempo se les echó encima, cosa que enfureció a Gordon Willis (director de fotografía).
La famosa escena inicial del funerario Bonasera pidiendo ayuda a Corleone no aparecía en el guión original de Coppola, sino que fue un amigo suyo el que se la sugirió
Varios policías de Nueva York participaron en el rodaje de la película como extras.
En la novela de "El Padrino" el personaje de Johnny Fontane tiene mucha más relevancia que en la película. Parece ser que el mismo Frank Sinatra presionó para que se evitasen el mayor número de similitudes entre Fontane y él. De ahí la brevedad en la trama de este personaje
La productora no esperaba mucho de la capacidad de Coppola, por lo que cada día había un tipo supervisando sus actividades para que, si se le despedía en un momento dado, pudiese sustituirlo en la dirección de la película.
PLATOON
Nos encontramos en la guerra de Vietnam en septiembre de 1967.Chris Taylor es un soldado recien llegado,de buena familia,que decidio alistarse como voluntario al ejercito.Este ha sido asignado a la compañia Bravo,perteneciente a la vigesimo quinta division de infanteria en el ejercito, destinada en algun lugar cercano a la frontera con Camboya al poco de llegar, descubre la crueldad que supone esta guerra y no solo sufre los duros enfrentamientos con el enemigo sino con sus propios compañeros.
El largometraje nos muestra en los primeros compases como la inexperiencia de Taylor unida a la adversidad del terreno y las duras condiciones climatologicas lo haran sufrir mas de la cuenta en sus primeras misiones como soldado novato
En esta película encontramos una severa critica a la guerra de vietnam y por lo tanto nos muestra la guerra de Vietnam como un infierno del cual nadie sale indemne. Ni aún los individuos con el carácter mas blindado logran escapar de Vietnam sin llevarse un puñado de cicatrices emocionales en el alma. A final de cuentas el hombre nació para vivir en paz y en sociedad, y en una guerra uno lleva a los individuos hacia el límite, hacia el caos y la destrucción, asignándole como trabajo el matar a otras personas simplemente porque la nación se los pide. Entonces imaginen la situación en donde una persona afable y civilizada se ve forzada a convertirse súbitamente en un exterminador, siendo forzado a transitar por un escenario extremadamente hostil, rodeado por individuos cuya salud mental se encuentra al límite.
Este film esta dirigido por el genial director Oliver Stone siendo esta película una de sus mayores aportaciones al mundo del cine, en ella intervienen actores de renombre como son Tom Berenger,Willem Dafoe, y un jovencisimo Charlie Sheen que sera en la mejor película que intervenga en toda su dilatada carrera.
Anecdotas de la pelicula
-Oliver Stone comento en una ocasion que penso ofrecer a johnny Depp el papel de protagonista.No lo hizo en aquella epoca, porque Depp era demasiado joven e inexperto aunque, segun Stone,siempre tuvo claro que johnny llegaria a ser una gran estrella.
-Tom Berenger (cuyo nombre verdadero es Thomas Moore y adopto el aspellido artistico de raices españolas berenger ,por un compañero de colegio de su infancia en Puerto Rico) habia hecho papeles positivos de buen chico en peliculas como "Reencuentro" antes de este film.Sin embargo Willem Dafoe estaba encasillado en papeles de villano en filmes como "Calles de fuego" o "Vivir y morir en Los Angeles.Oliver Stone decidio intercambiar sus caracteristicas dando a Berenger el papel del brutal y sadico Barnes y a Dafoe el del heroico y humano Elias.Ambos actores fueron nominados para los Oscar al mejor actor de reparto ,Mientras Tom Berenger ademas ganaba el globo de oro.
En la escena final tras la batalla, puede verse al soldado Rhah (Francesco Quinn) extrayendo una bolsita del bolsillo de un soldado vietnamita muerto. Se trata de la dosis de heroína que todos los soldados norvietnamitas portaban en su equipo de combate. Dado que no disponían de fármacos más sofisticados, utilizaban la droga como calmante para las heridas de guerra. Cuando lo descubrieron, muchos soldados americanos acabaron convertidos en yonquis.
-Según Willem Dafoe, en la escena de la juerga en el búnker, los actores fumaron marihuana auténtica aunque a él le sentó bastante mal.
-La escena de la destrucción de la aldea vietnamita y la matanza de civiles, está recreada de las declaraciones del teniente de los boinas verdes Steven Kailey, por las que fué condenado a 5 años de prisión por La Matanza de My Lai.
-Oliver Stone insistió que los paquetes de cigarrillos Malboro debían tener el color rojo cereza al igual que lo tenían en los años 60.
-El rodaje se produjo en la jungla de Filipinas
-Charlie Sheen reconoció en un programa de TV que Keith David le salvó la vida cuando estuvo apunto de caer de uno de los helicópteros durante el rodaje.
reencuentro de los actores de la pelicula